De todas las artes, el cine es para nosotros la más importante
Al cumplirse los 100 años de la Revolución Rusa este ciclo se propone pensar la Revolución de la mano de Sergei Eisenstein, Dziga Vertov, Chris Marker, Santiago Álvarez, Raymundo Gleyzer, João Moreira Salles y Andrei Zvyagintsev. Vinculada a esta temática los sábados y domingos de todo el mes se presentarán distintas actividades: cine mudo y música en vivo, mesas, charlas, presentación de libros, proyecciones especiales, teatro.
La Revolución Rusa fue el gran acontecimiento histórico del siglo XX: no sólo sacudió los cimientos de la sociedad rusa y marcó el camino de su historia hasta nuestros días, sino que determinó la historia global hasta el colapso de la Unión Soviética a principios de los años noventa. Después de 1917, un mismo estado de ánimo alcanzó metrópolis y continentes lejanos vertebrando el horizonte político de aquello que era posible; para muchos, el día de los pueblos había llegado.
Para conmemorar esta monumental ocasión, dedicamos este mes a pensar la Revolución a partir de un recorrido que toca diferentes aristas, de la mano de grandes maestros del cine: la relación entre cine y revolución, el influjo en Latinoamérica y los movimientos sociales del siglo veinte, las relaciones de poder en la Rusia actual, las imágenes heredadas y sus posibilidades de apropiación.
1. CINE ARMA: GLEYZER Y ALVAREZ
“A la verdad deformada y colonizada que el enemigo pretende perpetuar como verdad histórica hay que oponer vigorosamente nuestra obra” (Santiago Álvarez, “Periodismo cinematográfico”. En: Cine Cubano, No. 140, 1978).
En pocos lugares del mundo las ideas revolucionarias, forjadas al calor de los acontecimientos de 1917, tuvieron tanto impacto como lo hicieron en América Latina. La Revolución Cubana, que recorrió Latinoamérica como un relámpago, dio un nuevo impulso a la creencia colectiva de que la revolución es una herramienta accesible y eficaz para cambiar el orden existente.
El Nuevo Cine Latinoamericano de los 60 y 70 estuvo profundamente influenciado por estas ideas. Raymundo Gleyzer y Santiago Álvarez fueron dos grandes figuras -entre otros directores- que, a lo largo de esos años, desarrollaron obras en las que se conjuga vanguardia estética y política. Sus películas son acción, compromiso, denuncia y reflexión. Repasamos algunos títulos de estos dos grandes referentes que asumieron al cine como un arma para la revolución, con la presentación de dos libros que ponemos en diálogo.
El programa incluye la presentación de dos libros recientemente editados sobre Gleyzer, y, al cumplirse 50 años de la muerte del Che, también incluye el corto “Hasta la victoria siempre”, realizado en tan solo dos días por Santiago Álvarez para ser exhibido como homenaje en la velada por su caída.
Raymundo Gleyzer fue cineasta, periodista y militante. Secuestrado y desaparecido por la última dictadura cívico-militar argentina, Gleyzer fue uno de los creadores del Grupo Cine de la Base, colectivo de realizadores audiovisuales que consideraban al cine como una herramienta de lucha para el esclarecimiento de los pueblos latinoamericanos. Presentamos un recorrido por la obra y vida de Raymundo Gleyzer, desde sus primeros films de corte etnográfico hasta sus últimas producciones políticas.
Presentación de libros
Compañero Raymundo
(Juana Sapire y Cynthia Sabat)
“El cine político argentino está marcado por la obra de Raymundo Gleyzer. Sus largometrajes innovadores, sus cortos vinculados a la militancia revolucionaria y la etnografía, la formación del grupo Cine de la Base en los años setenta, lo transformaron en referencia ineludible. Su trabajo marca un antes y un después en su género. Es que Raymundo es presente, y su obra sigue siendo un arma cargada de futuro”.
Un cine hacia el socialismo: Imágenes del PRT-ERP
(Grupo Revbelando Imágenes)
“Estructuramos el libro en dos momentos: la producción del Grupo Cine de la Base, y la revisión histórica audiovisual del accionar del partido. Publicamos entrevistas, documentos, textos críticos, ensayos, reseñas. Un cine hacia el socialismo. Imágenes del PRT-ERP es responsabilidad del Grupo Revbelando Imágenes que convocó a un conjunto heterogéneo de autores conformado por periodistas, investigadores, académicos, realizadores y docentes. Es este un proyecto autogestivo que busca aportar materiales que consideramos ineludibles para la discusión política y cultural actual”.
Con la presencia de: Cynthia Sábat, Juan Ciucci (Grupo Revbelando Imágenes), Ernesto Ardito, Virna Molina y el Grupo de Cine Mascaró
Proyecciones
Ceramiqueros de Traslasierra
(Raymundo Gleyzer, Argentina 1965, 19’)
Documental de investigación antropológica, que registra el trabajo y la vida de una comunidad de artesanos en las sierras de la Provincia de Córdoba.
Dirección: Raymundo Gleyzer / Guión: Ana Montes / Fotografía: Humberto Ríos / Música: Antonio di Consoli / Productora: Escuela de Artes.
Ni olvido ni perdón: 1972, la masacre de Trelew
(Raymundo Gleyzer, Argentina 1973, 30’)
El 15 de agosto de 1972 se realiza la primera operación conjunta de las tres principales organizaciones revolucionarias, ERP, FAR y Montoneros: la fuga de 110 presos políticos del penal de Rawson. De todos éstos, sólo 6 logran escapar a Chile y 19 quedan amotinados en el aeropuerto de Trelew. El 22 de Agosto, éstos últimos son fusilados en prisión y sólo tres sobreviven. El film fue producido y difundido en forma clandestina. La masacre de Trelew selló el comienzo del terrorismo de estado sistematizado e ininterrumpido en Argentina.
Dirección: Raymundo Gleyzer / Fotografía: Raymundo Gleyzer.
Un recorrido por la obra de Santiago Álvarez, presentado por Gabriela Bustos.
El ICAIC, emblemático instituto cinematográfico cubano creado tras el triunfo de la Revolución, innovó profundamente en el terreno audiovisual con su uso del cine como un medio para la comunicación de masas y la expresión política. A través del ICAIC, el cine revolucionario cubano cultivó una relación dinámica entre la pantalla y sus espectadores. Santiago Álvarez, prolífico realizador del instituto, se ha convertido con el tiempo en sinónimo de este estilo “urgente” de cine cubano que ayudó a definir una estética revolucionaria latinoamericana, tanto experimental como política. Álvarez dirigió una serie de películas cubanas hoy consideradas clásicas y produjo el conocido Noticiero ICAIC Latinoamericano durante sus treinta años de funcionamiento, designado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. La serie de cortometrajes y mediometrajes que presentamos abarca una variedad de temas que le interesaban a Álvarez, incluyendo el racismo y la política racial en los Estados Unidos, tal como se veía desde la Cuba revolucionaria.
Now!
(Santiago Álvarez, Cuba 1965, 6’)
Cortometraje documental sobre la lucha por los derechos civiles de la población afroamericana de Estados Unidos en los años sesenta. El texto de la canción se refiere a la necesidad urgente de luchar, con métodos más eficaces, por la igualdad de los derechos ciudadanos. Se muestran los incidentes racistas producidos en California en 1965, sugiriendo un llamamiento de lucha más decidida contra el racismo y la injusticia racial. Está considerado el primer videoclip de la historia.
Dirección: Santiago Álvarez / Guión: Santiago Álvarez / Música: Lena Horne / Fotografía: Alberto Hernández, Pepín Rodríguez / Productora: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC).
Hasta la victoria siempre
(Santiago Álvarez, Cuba 1967, 19’)
Documental que muestra diversos aspectos de la vida del líder guerrillero Ernesto “Che” Guevara. Realizado en apenas 48 horas con material de archivo y fotografías, se exhibió como homenaje en la velada por la caída del Che.
Dirección: Santiago Álvarez / Guión: Santiago Álvarez / Fotografía: Enrique Cárdenas, Jorge Pucheux / Música: Idalberto Gálvez / Productora: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC).
79 primaveras
(Santiago Álvarez, Cuba 1966, 25’)
Recorrido por la vida y la obra del dirigente vietnamita Ho Chi Minh.
Dirección: Santiago Álvarez / Guión: Santiago Álvarez (textos de Ho Chi Minh y José Martí) / Fotografía: Iván Nápoles / Montaje: Norma Torrado / Traducción de poemas: Félix Pita Rodríguez / Material de archivo: Estudios Fílmicos de Hanoi / Productora: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC).
El Nuevo Tango
(Santiago Álvarez, Cuba 1973, 28’)
Documental realizado con material registrado en Buenos Aires, Córdoba y Mendoza, cuando Santiago Álvarez acompañó como camarógrafo del Noticiero ICAIC al presidente cubano Dorticós en la asunción del presidente argentino Héctor Cámpora, el 25 de mayo de 1973. El valor del film se reactualiza como documento histórico, consecuencia de la obturación por parte de la represión posterior del proceso político que sus imágenes condensan.
Dirección: Santiago Álvarez / Guión: Raúl Rodríguez, José León, Miriam Talavera, Idalberto Gálvez, Epin Rodríguez, Santiago Peñate, Jorge Pucheux, Delia Quesada, Ofelia Galán, Adriano Moreno, Enrique López, Eduardo Capote, Santiago Álvarez / Productora: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC).
2. RUSIA HOY: EL CINE DE ANDREI ZVYAGINTSEV
La Revolución de Octubre transformó completamente la dinámica y la fisonomía de Rusia: la revolución se propuso destruir todo el mundo pre-soviético y crear uno nuevo de sus ruinas. Así, el período soviético cambió la vida de millones de personas. Sin embargo, el dramático colapso de la Unión Soviética y su igualmente dramática transición hacia una economía de mercado trajo consigo disturbios sociales, golpes de estado, conflictos armados, una corrupción generalizada y el surgimiento de una clase de nuevos plutócratas ligados a la explotación del gas y del petróleo. Uno de los directores rusos contemporáneos que mejor ha sabido retratar esta situación ha sido Andrei Zvyagintsev. Tras su celebrado debut en 2003, este realizador ha logrado combinar una estética propia con un análisis de la Rusia contemporánea, cosechando premios en numerosos festivales y la admiración de críticos. En esta retrospectiva, nos focalizamos en dos de sus mejores producciones hasta el momento.
Elena
(Andrei Zvyagintsev, Rusia 2011, 109’)
El primer film de esta retrospectiva, Elena, se focaliza en la vida de un incómodo matrimonio: Vladimir y Elena se han encontrado tarde en la vida, provienen de clases diferentes y cada uno tiene hijos de matrimonios anteriores. Este film nos introduce en la subcultura de empresarios rusos que se enriqueció con la caída del régimen soviético. La película muestra una Moscú sin alma, casi distópica, en la que tanto los que tienen como los que no tienen, hacen elecciones morales igualmente dudosas ligadas a un único objeto de deseo: el dinero.
Dirección: Andrei Zvyagintsev / Guión: Andrei Zvyagintsev, Oleg Negin / Fotografía: Mikhail Krichman / Dirección de arte: Andrey Ponkratov / Música: Philip Glass / Montaje: Anna Mass / Intérpretes: Nadezhda Markina, Elena Lyadova, Aleksey Rozin, Andrey Smirnov, Evgeniya Konushkina, Igor Ogurtsov / Productora: Non-Stop Production. Calificación: apta para mayores de 16 años.
Leviatán
(Andrei Zvyagintsev, Rusia 2014, 141’)
Leviatán narra la historia de Kolya, un mecánico que lucha contra un alcalde corrupto que quiere apropiarse de su propiedad, a través de dudosas tácticas legales y la complacencia de otros sectores como la Iglesia ortodoxa, para entregar la tierra a la especulación inmobiliaria. En muchos sentidos, la película puede ser vista como una parábola de la Rusia contemporánea: nos enseña hasta qué punto la corrupción sistémica destruye la vida social y privada. Un crítico británico escribió que este film puede considerarse como el ataque más abrasador contra el actual sistema político ruso filmado hasta el momento.
Dirección: Andrei Zvyagintsev / Guión: Andrei Zvyagintsev, Oleg Negin / Fotografía: Mikhail Krichman / Música: Philip Glass / Montaje: Anna Mass / Intérpretes: Aleksey Serebryakov, Vladimir Vdovichenkov, Elena Lyadova, Anna Ukolova, Roman Madyanov, Lesya Kudryashova / Productora: Non-Stop Production. Calificación: apta para mayores de 13 años.
3. CINE MUDO SOVIÉTICO + MÚSICA EN VIVO
La Revolución de Octubre permeó todas las artes, incluyendo al cine. Durante la década de 1920 varios jóvenes directores, inspirados en las ideas revolucionarias, avanzaron en la teoría y la práctica de lo que todavía era una incipiente forma de arte, realizando una contribución incalculable al arte cinematográfico: los directores soviéticos estaban interesados en la experimentación y la innovación, inspirados por la construcción de una nueva sociedad alentada por los bolcheviques. Estaban comprometidos con la idea del cine como el medio de expresión estético por excelencia de esta nueva sociedad.
Esta era del cine soviético llegó a su fin a comienzos de la década de 1930, debido a la irrupción del sonido y al creciente control y reglamentación del Partido Comunista. Pero Einsenstein y Vertov mostraron al mundo una magnífica conciencia de las posibilidades del cine.
![La huelga [Stachka]](2_img/04_900x250/3-or-lahuelga.jpg)
La huelga [Stachka]
(Sergei Eisenstein, Unión Soviética 1925, 82’)
Musicaliza: Fernando Kabusacki
Uno de los temas más populares entre los primeros directores soviéticos fue, lógicamente, la Revolución, es decir, la lucha revolucionaria en Rusia y en el extranjero: este fue el caso de Sergei Eisenstein, el más reconocido de esta generación de realizadores debido a los desarrollos audiovisuales que introdujo. La principal preocupación de Eisenstein fue el análisis e interpretación de la historia del movimiento revolucionario en Rusia. Así, La huelga es la primera película de una trilogía que realizó durante los años veinte y que culminaba con un film sobre la Revolución de Octubre. Como indica su título, La Huelga representa el levantamiento de los obreros de una fábrica durante la época zarista frente a las condiciones de trabajo a las que se encuentran sometidos. Siendo una representación de la opresión en Rusia, la película funciona como un mito de la emancipación de los trabajadores, una experiencia estética magníficamente elaborada y editada sobre los albores de la revolución.
Dirección: Sergei Eisenstein / Guión: Sergei M. Eisenstein, Valerian Pletnev, Ilya Kravchunovsky, Grigori Aleksandrov / Fotografía: Eduard Tissé / Dirección de arte: Vasiliy Rakhals / Montaje: Sergei Eisenstein / Intérpretes: Maksim Shtraukh, Grigori Alexandrov, Mikhail Gomorov, Ivan Klyukvin, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer, Anatoliy Kuznetsov, Vera Yanukova, Boris Yurtsev / Productora: Proletkult Production, Goskino.
![El hombre de la cámara [Chelovek s kino-apparatom]](2_img/04_900x250/3-or-elhombredelacamara.jpg)
El hombre de la cámara [Chelovek s kino-apparatom]
(Dziga Vertov, Unión Soviética 1929, 67’)
Musicaliza: El Desamble
Otras películas de esta época retrataron el nuevo mundo creado por la Revolución: tal fue el caso de Dziga Vertov. La cámara o el cinematógrafo, escribió Vertov a lo largo de los años veinte, es como un ojo de alta velocidad: el ojo de la cámara es análogo a una mirada mejorada capaz de capturarlo todo. Vertov lo llamaba el “cine ojo”. En El hombre de la cámara, estrenada en 1929, Vertov utiliza el cine ojo para retratar la nueva sociedad socialista. Tres personajes principales interactúan en este film: la ciudad, las máquinas y los trabajadores. El paisaje urbano, la producción industrial, y los hombres y las mujeres de la clase trabajadora desfilan ante el espectador en una procesión secular de imágenes, enseñándonos el nacimiento de nueva sociedad donde el ritmo del trabajo ha eliminado las clases sociales.
Dirección: Dziga Vertov / Guión: Dziga Vertov / Fotografía: Mikhail Kaufman / Montaje: Yelizaveta Svilova / Productora: VUFKU.
4. EJERCICIOS DE MEMORIA: ENSAYOS SOBRE LA REVOLUCIÓN
La realidad ha cambiado radicalmente desde 1917 y las ideas que dieron forma a la Revolución de Octubre hoy nos parecen muy distantes: la revolución, sus ideas y sus protagonistas han pasado al depósito de las imágenes del pasado. Pero las imágenes, por sí mismas, no afirman nada; hay que interpelarlas para llevarlas al terreno de la reflexión. Presentamos dos directores que, desde un lenguaje ensayístico, proponen una relectura de las imágenes del pasado. Chris Marker, un claro referente en este terreno y Joao Moreira Salles con su reciente No intenso agora, nos invitan a reflexionar sobre las imágenes heredadas, nos proponen un viaje subjetivo que parte de las pequeñas historias para acabar llegando a lo universal: para decir ciertas cosas sobre nuestro pasado colectivo que han quedado en el tintero.
No intenso agora
(João Moreira Salles, Brasil 2017, 127’)
Presentado por Agustina Pérez Rial* e Ivo Aichenbaum** (Fiord Estudio)***
Narrado en primera persona, el documental interpela un impactante archivo de imágenes en torno al 68. Desde el registro doméstico de su madre en China pasando por registros de la revuelta estudiantil francesa, la invasión a Checoslovaquia, el entierro de los muertos en París, Lyon, Praga y Río de Janeiro. João Moreira Salles realiza un ensayo fílmico que atrapa por su lucidez para pensar las imágenes, en un recorrido por momentos clave del siglo XX.
Dirección y Guión: João Moreira Salles Sonido: Denilson Campos Edición: Eduardo Escorel, Laís Lifschitz Productor: Videofilmes Produções Artisticas PaÍs: Brasil
*Agustina Pérez Rial (1982) es investigadora, curadora y realizadora audiovisual. Publicó el libro Tránsitos de la mirada. Mujeres que hacen cine (Libraria, 2014). Ha dictado cursos en Argentina y en el exterior y, actualmente, está realizando como productora, co-guionista y co-directora su ópera prima, Danubio. Es co-directora de la productora Fiord Estudio.
**Ivo Aichenbaum (1985) es realizador documental y artista visual. Filmó los largometrajes La parte automática (2012), Cabeza de ratón (2013) y Formosa (2014). Desde 2015 dicta cursos de Cine independiente y arte contemporáneo. Es co-director de la productora Fiord Estudio.
***Fiord Estudio Realiza proyectos de cine y arte contemporáneo con eje editorial en la producción de pensamiento estético y político. Nos inspiran los archivos, las historias de vida y las miradas críticas.
El último Bolchevique
(Chris Marker, Francia 1992, 120’)
En el caos que sigue a la caída de la Unión Soviética, Chris Marker se interroga frente a la tumba de Alexander Medvedkin buscando respuestas. A partir de la memoria de este cineasta ruso, cuya vida atravesó todo el siglo XX y fue atravesada a su vez por las turbulencias de su país y del mundo, Marker construye una película que alcanza a un país y a toda una generación.
Dirección: Chris Marker / Guión: Chris Marker / Fotografía: Chris Marker / Montaje: Chris Marker / Música: Alfred Shnitke / Con la presencia de: Léonor Graser, Nikolai Izvolov, Kira Paramonova, Viktor Diomen, Yuli Raizman, Marina Kalasieva, Aleksandr Medvedkin, Lev Rochal, Vladimir Dimitriev, Antonina Pirojkova / Productora: Les Films de l'Astrophore
